Este americano chegou. Lendo seus livros e reportagens, você se depara não com um simples jornalistas, mas com um dos maiores cronistas políticos da atualidade. Curioso pensar que tudo começou sem grandes pretenções.

“Sempre fui muito aventureiro, e queria muito contar histórias sobre as pessoas. Quando estava no Peru [Lee é filho de diplomata e por isso, mesmo antes de tornar-se jornalista, morou em vários países diferentes] vi um anúncio que dizia ‘precisa-se de repórter’. Resolvi fazer o teste. Me deram uma prova, eu passei e comecei na profissão, sem nenhuma experiência, mas com o desejo de aprender o máximo”, contou ele em um bate-papo na faculdade  Cásper Líbero no último final de semana.

A partir daí, o jornalista mergulhou nos mais diferentes conflitos e guerrilhas, tornando-se um dos principais nomes do jornalismo de guerra. Para escrever seu primeiro livro, “Guerrillas: Journeys In the Insurgent World”, de 92, esteve em El Salvador, no Afeganistão, em Mianmar, no Saara Ocidental e na Faixa de Gaza.

O interesse pelo tema tem explicação. “As guerras civis, apesar de sangrentas, podem mudar uma sociedade, as formas de governo e o modo como as pessoas veem a política”, diz.

Dividido entre as reportagens e os livros, ambos tomando um tempo extenso de pesquisa, apuração e escrita, Jon Lee ficou conhecido quando lançou aquela que seria a primeira biografia oficial de Che Guevara, em 1997. O trabalhou exigiu dedicação total de Jon Lee e até de sua família, que se mudou com ele para Cuba.

“A minha convivência na guerrilha em outros países me mostrou que Che era uma referência entre essas pessoas. Ele era uma pessoa que, por uma ideia, mudou sua vida completamente. Comecei a me perguntar o que eu sabia sobre ele e percebi que havia muitas lacunas. Naquela época, não havia nada sobre ele, a não ser que você entrasse em uma livraria bolivariana”, contou Jon Lee.

Ele disse que passou a se interessar pela figura de Che e decidiu escrever o livro. Para isso, teve acesso a documentos inéditos e pessoais, como o diário de Che, o que segundo ele, ajudou a “sentir melhor” quem era Che.

“Viajei com Alberto Granado por quase todos os lugares que ele e Che viajaram [ele é o companheiro de viagem de Che no filme "Diários de Motocicletas"], e outros amigos de juventude dele foram me contando quem era o Che quando jovem e assim começou a surgir um’personagem possível para mim”, disse.

Foram 5 anos de dedicação ao trabalho que, segundo Jon Lee, mudou sua vida profissional e pessoal, além de ter deixado os editores de cabelos em pé pela demora da publicação e os custos da empreitada. “A única coisa que não vendi para fazer esse livro foi a minha alma, mas acho que a hipotequei algumas vezes”, brincou.

Hoje, como colaborador da prestigiada revista “The New Yorker”, ele diz que pode se dar ao luxo de levar 5 ou 7 meses para escrever um artigo, uma reportagem que precisa ser mais apurada, contando com todo o respaldo da publicação.

Muitas figuras já foram perfiladas por Jon Lee. Fidel Castro, Pinochet, Gabriel Garcia Marquez,  entre outros.  O critério para o jornalista é único: “Para o bem ou para o mal, são pessoas que nos despertam o apetite de serem decifradas, de descobrir o que é lenda e o que é verdade no que eles contam”.

Na conversa, Jon Lee falou de suas experiências no Sri Lanka, Líbia, Egito, de encontros com personalidades políticas dos mais diferentes tipos. Segundo ele, a dúvida sobre a nacionalidade do presidente americano Barack Obama mostra o quão racista a sociedade americana ainda é e que apesar da onda de revolta no mundo árabe, resta uma lacuna: um líder.

Outros pitacos da conversa:

Guerra ao vivo - ”Uma realidade criada, paralela. Mas também surreal. Ver uma guerra pela TV nos transforma em espectadores passivos. Dá a impressão de que você viveu aquilo, mas você não sabe nada daquilo. São imagens que já nos acostumamos a ver nos cinemas, com a diferença de que ali existe uma dor real. Se a TV pudesse transmitir a dor, seria perfeito. Seria horrível, mas seria real”.

Medo de situações de risco – “Tento não pensar na família e não ter medo. É difícil, pois é claro que acontece. Mas eu desenvolvi uma espécie de amnésia pessoal para esses momentos”.

Pior momento de uma guerra – “Ver crianças morrendo e não poder fazer nada e perder colegas de trabalho. Há uma semana estive no funeral de um colega morto na Líbia, e ontem [sexta, 20.5], fiquei sabendo que outro colega foi morto no mesmo país. Disseram que ele estava preso. Agora o mataram. Mas, apesar da dor, ainda acho a morte de crianças mais difíceis. Me sinto envergonhado pelos adultos, pois as crianças morrem pelas falhas do mundo adulto”.

Lados de uma guerra – “Para cobrir uma guerra, ou você está com um bando ou com outro. Morei em El Salvador durante a guerra civil, financiada pelos EUA. Mas eles eram malucos e não gostavam nem um pouco da imprensa. Diziam que éramos subversivos. Chegaram a dizer que havia um terrorista internacional atravessando um rio na cidade, e era eu! Quase morri em uma emboscada. Na Líbia, fiquei com os rebeldes e nem sempre o que eles diziam era verdade. É preciso ter experiência e intuição nessas horas”.

Laços com personagens – “Crio laços afetivos com as pessoas, nem sempre com os personagens. Ainda falo com Osama [personagem de uma de suas reportagens na Líbia, que acabou perdendo o filho na guerra], mas evito um pouco esse tipo de relacionamento. Nem sempre consigo porque, afinal, eles me deixaram entrar em suas vidas. O mesmo com o médico de Saddam Hussein que, a partir de um momento, passou a confiar em mim e me revelar segredos que na época poderiam resultar em sua morte. Quando Bagdá caiu e ele já não corria perigo, fiz um perfil dele. Sei que até hoje ele não leu. Entendi que fez isso para continuar sendo meu amigo”.

Novo líder revolucionário – “Pessoas têm carisma e outras não. Você sabe quando está em frente a alguém iluminado, é orgânico. Muitas vezes temos líderes sem carisma. Conheci um homem com esse carisma, mas o mataram há dois meses. Na Líbia não encontrei ninguém com essas características. É curioso, pois estava em busca desse líder lá. Creio que tem a ver com o fato de que há 42 anos apenas uma pessoa pode falar e o país é uma sociedade sem debate.  Há pobreza intelectual. Depois de 42 anos, ninguém na Líbia tem ideias. Para muitos Osama bin Laden era esse líder revolucionário. Muitos atribuíram a ele um caráter heróico porque ele se opôs aos EUA. Uma forma desviada de mostrar um ódio sectário aos americanos”.

E-book quase saindo do forno… com artigo meu na fita…Em breve.

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Ao contrário das bandas mais conhecidas do britpop, o Stereophonics sempre foi o que a gente chama de banda “low profile”. Liderados pelo pacato Kelly Jones, a banda é dessas que nunca ganhou a primeira posição no Disk MTV, não tem muitas músicas reproduzidas nas rádios brasileiras, mas cativou milhares de fãs no Brasil e no mundo pela simplicidade.

Para quem costumava assistir – altas horas da noite – o The Jool’s Hooland Show – no extinto P&A – a banda era – e ainda é – figura carimbada. Foi lá que ouvi primeiro músicas como “Just Looking”, “Have a nice day”, entre outras. “What a incredible voice this man got”, disse Jool certa vez num carregado sotaque inglês.

De cabeça, não é difícil fazer uma lista de músicas da banda que eram certas nas minhas fitas cassetes ou mp3, desde os anos 90 até aqui, como “Just Looking”, “Have a nice day”, “Step on my old size nine”, “Since I told you it’s over”, “Traffic”, Mr.Writer”, “It means nothing”, “Dakota”, “Maybe Tomorrow”, essa trilha do filme “Crash”, e por aí vai.

Músicas que falam do cotidiano, de amor, de perdas, incertezas. Há espaço para tudo na voz rouca de Jones e sua trupe, mas Jones é imbatível quando decide escrever canções, digamos, de amor. Pela delicadeza dos versos cantados na voz rouca. Quem resiste?

Há 18 anos na estrada, o trio viu bandas do britpop acabarem, recomeçarem – especialmente agora com o revival anos 90 – e começarem, e acompanhou de longe a rivalidades como Blur-Oasis e Travis-Coldplay – se é que essa existiu – sempre apresentando um trabalho regular nos sete discos de estúdio e no ao vivo, “Live From Dakota”.

O álbum mais popular da banda foi “Just enough education to perform”, de 2000, ou J.E.E.P., como ele também ficou conhecido. O maior fã do álbum talvez seja o jogador de futebol inglês Wayne Rooney, que fez uma tatuagem com o nome do disco.

Essa semana a banda vem pela primeira vez ao Brasil, realizando uma vontade que já parecia ideia impossível para muitos – como eu -, trazer a turnê do último disco, “Keep calm and carry on” (2009).

“El titulo viene de una propaganda del gobierno británico que no se llegó a usar. Fue diseñada para levantar la moral de la gente en caso de que Alemania invadiera al Reino Unido en la Segunda Guerra Mundial. Por suerte, no llegó a usarse porque la invasion no ocurrió. Recientemente se ha utilizado en afiches retro por su diseño y nos pareció perfecto para el titular, por ser relevante a los tiempos actuales. Además de reflejar el mood y el contenido del disco”, disse Javier em entrevista ao Clarín.

O disco mostra um amadurecimento da banda e vem com um número maior de músicas com potencial de single do que os discos anteriores, e talvez seja a resposta sobre como a banda sobreviveu aos anos 90 e a prova de que eles ainda têm fôlego para completar mais uma década.

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Quantas tardes perdidas gravando fitas e fitas para amigos ou para ouvir no walkman da Sony, quantas horas passadas ao lado do toca-discos, deslizando a agulha nos vinis ou brincando com sons e de ser DJ[depois a gente não sabia porque as agulhas viviam dando problema] ou ouvindo as rádios FMs de Ribeirão, que pelos menos naquela época, eram uma verdadeira salada musical.

Musicalmente falando, dá pra dizer que fui [e ainda sou] do tipo “heavy user”. Seja da disco music dos anos 70, do new wave ou do pós-punk dos 80, das batidas eletrônicas dos anos 90 [sem contar o grunge, o hard rock...] ou a cena indie dos anos 00, que talvez agora esteja em seu limbo existencial, tentando desvendar o que vamos fazer com tanta banda, tanta gente fazendo tanta coisa ao mesmo tempo – e muitas vezes, do mesmo jeito.

Reflexões a parte, a exposição nos leva de volta aos tempos em que tudo o que a gente mais queria – momento pelo qual esperávamos a semana inteira – era cair na pista de dança. E uma vez lá, valia misturar tudo. Podia rolar Bee Gees, Tim Maia, tocar Dancing Days, Lulu Santos, Titãs, New Order, Balão Mágico. Qualquer barulho era motivo para rolar na pista.

Depois de um bate papo relembrando momentos musicais com amigos [desde o primeiro microsystem, o primeiro cd] fica uma nostalgia de que, um dia, tudo foi mais divertido, original, menos sério e pesado. Sem contar os espantos com as roupas glamourosas usadas pelos DJs e rockstars. Ombreiras, casacos com purpurina, cascos estampados, roupas coloridas – há momentos em que você acha que está vendo aquela banda…. tal de Restart, até que se dá conta de que eram imagens dos anos 80, ou seja… – saltos altos, topetes e você se pergunta: “gente, e não é que usaram isso mesmo?”.

Além de revirar o baú de gente que marcou seu lugar na cena eletrônica de Sampa, a exposição é um revirar de emoções e lembranças pra quem se jogou ao som de Underworld, Prodigy, Chemical Brothers, e varou noites em lugares como Madame Satã, Rose Bom Bom, Aeroanta, Hell’s Club [tem até carteirinha de sócio do clube] ou ouvia, de algum lugar, o som que os DJs tocavam nas pick-ups dessas casas.

No mínimo, você vai sair de lá com um sorrisão do tipo: cara, eu já me diverti pacas!

Nos anos 90, Bon Jovi foi a primeira grande banda da minha vida. Aquela pela qual eu dizia – dramatizando horrores, pois os pais pareciam não entender a importância do assunto – que morreria se não fosse ao show, se não comprasse o útlimo disco, as camisetas, as revistas, as fitas cassetes com videoclipes, enfim, tudo. Onde Jon estava, eu [e um milhão de fãs] estava também.

Dez anos depois, finalmente o primeiro encontro. Claro que pensei que isso aconteceria de forma mais simples, e muito antes. Mas mesmo tanto tempo depois, algumas coisas não mudam: mesmo de longe, pode-se observar que os cabelos continuam impecáveis, o físico, interessante, e o sorriso, irresistível. Fora isso, ainda tem a música.

Clássicos como I’ll be there for you, In these Arms, Bad Name, Keep the Faith, Livin’ on a Prayer não envelheceram com os anos, assim como o próprio Jon, que apesar de em alguns momentos arrastar a voz e recorrer a uma colinha para lembrar trechos de alguma música, ainda seduz e conquista as milhares de fãs – e os fãs – sabendo exatamente o que fazer no papel de bandleader. Coisas que ele aprendeu em mais de 30 anos de banda e, talvez, observando o ídolo Mick Jagger.

No show em São Paulo, Jon pulou, dançou, rebolou, levou as mulheres à loucura acompanhado de velhos amigos como Tico Torres, o lado latino da banda, na batera, David Bryan, nos teclados, e Richie Sambora, o homem da cartola e dos riffs.

Foi uma noite com direito a tudo o que o hard rock tem a oferecer: luzes, maquiagem, cabelos ao vento, riff eletrizantes, baladas, rock’n'roll, pulinhos e gritos e refrões pegajosos e grudentos.

Na platéia – pelo menos na arquibancada vermelha – sósias de Jon e namoridos acompanhando as mulheres e disputando a atenção com cantor. Pelo menos ontem, eles sabiam que não havia como competir.

Depois de 15 anos de espera, 27 músicas, em três horas de show, foi suficiente para mater a saudade e a vontade. Mas isso não quer dizer que não estamos esperando um bis.

O que o rock, a fita cassete, o vinil e mais recentemente (bem, acrescente uns anos a isso) o videoclipe, têm em comum? Bom, todos foram declarados mortos, assim como Elvis Presley, por mais que você caro leitor, relute em aceitar essa ideia.

Mas quem não morreu na verdade foi o rock, a fita cassete, o vinil e muito menos o videoclipe. Assim como o cinema não matou  TV, o YouTube, como muitos pensavam, não jogou o videoclipe no limbo. Ao contrário, abriu porta e espaço para aqueles que mais soubessem ousar, criar e inovar. Isso ficou claro com o mais recente clipe lançado pelos canadenses do Arcade Fire, o da música The wilderness downtown.

O clipe é um filme interativo dirigido por Chris Milk, que utiliza a tecnologia de mapas do Google, ou seja, você se cadastra, digita seu endereço e o videoclipe simplesmente acontece.

A brincadeira – mais uma na modalidade de videoclipes colaborativos – mostra que apesar de não haver mais aqueles orçamentos milionários para a produção de clipes e da perda de espaço na TV, o velho videoclipe ainda continua dando o que falar, sendo um belo cartão de visitas para as bandas e diretores com grandes sacadas.

O fenômeno Lady Gaga está aí para provar isso. Provocando um furor muito mais estético do que musical, a cantora conseguiu a proeza de, em tempos onde muito poucos ouvem e veem música, alcançar a marca de 1 bilhão de vizualizações dos vídeos Poker face, Bad romance e Just dance.

Outro exemplo pode ser a banda OK GO!. Com uma câmera, algumas esteiras e YouTube, a banda foi uma das primeiras a exnergar que não era preciso contar com uma verba de  milhões para ser sucesso. A banda faz uma coreografia sobre esteiras ergométricas (ao todo foram 17 tentativas) no clipe de Here it Goes Again. Sem muitas preocupações estéticas, o vídeo foi lançado no YouTube, atingiu 50 milhões de visitas e rendeu popularidade à banda.

Um dos conceitos que vem sendo cada vez mais usados para a produção de videclpies é o do crowdsourcing, que une conhecimenos e experiências coletivas para produzir um determinado conteúdo. É o jeito que os artistas e bandas encontraram de fazer dos fãs, produtores de conteúdo e colaboradores.

Vários artistas estão apostando na produção colabotariva, como Bjork e Antony Hegarty. Para o clipe da música The Dull Flame Of Desire, eles entraram num estúdio e filmaram alguns takes em fundo verde e depois enviaram as filmagens para diferentes diretores, que deram seus toques e interpretações pessoais. Os convidados foram Masahiro Mogari (Japão), Marçal Cuberta Junca (Espanha) e Christoph Jantos (Alemanha).

Outro projeto colaborativo é uma homenagem ao cantor Johnny Cash. Era só você se inscrever e enviar imagens para integrar o videoclipe de Ain’t no Grave. O projeto foi inspirado pelo lançamento do disco póstumo American VI. Ainda há um botãozinho de colabore no site do projeto, o www.thejohnnycashproject.com. Na web, basta uma ideia na cabeça e um computador plugado…

Faça seu vídeo de “The Wilderness Downtown”: http://www.thewildernessdowntown.com

Mais informações sobre o projeto: http://www.chromeexperiments.com/arcadefire

Então não foi culpa do berço. Talvez tenha sido culpa das revistas que eu li, que em nenhum momento me apresentaram e este grupo que literalmente rodou a baiana em tempos onde qualquer ação ousada ou criativa, gerava uma reação repressora.

Assistir ao documentário “Dzi Croquetes” me fez confirmar aquela velha ladainha que nós, vez ou outra comentamos: “Brasileiro não tem memória”.

Não sei se é algo brasileiro ou se isso é produto de importação mundo afora, a questão é que artistas desse naipe não podem ser simplesmente jogados à revelia da memória dos que foram contemporâneos a eles. Dê um google e perceba  a pobreza de informações sobre o grupo, pouco para uma das mais fissurantes alucinações coletivas que os palcos brasileiros já viram. E isso não é força de expressão.

Com Lennie Dale, Wagner Ribeiro de Souza, Cláudio Gaya, Cláudio Tovar, Ciro Barcelos, Reginaldo de Poli, Bayard Tonelli, Rogério de Poli, Paulo Bacellar, Benedictus Lacerda, Carlinhos Machado e Eloy Simões, Dzi Croquetes foi vanguarda nos aos 70, indo do travestismo, ao deboche, à exploração do virtuosismo dos membros do elenco – na leveza admirável de cada passo d Dale – , à caricatura, à farsa e à comédia de costumes.

Mais de 10 homens peludos, sem medo de exibir sua feminilidade dentro de sua masculinidade, com meia-calças, corpetes e saltos. Depois de Dzi Croquetes, a gente entende de onde vem Secos & Molhados, Rita Lee, entre outros artistas, o que deixa a era androgenia de David Bowie no chinelo.

Os comentários do filme não me deixam mentir. O trabalho a cada espetáculo, a dedicação para alcançar a perfeição, o passo, a coreografia ideal, o tom certo para fazer rir, fosse uma plateia de brasileiros ou franceses, o gosto pelo chocar e também pela arte. 

Tatiana Issa, diretora do filme, é filha do cenógrafo Américo Issa, que trabalhou com os Dzi. Cresceu perto dos homens coloridos, a quem chamou carinhosamente de “palhacinhos”. A falta de informações e o desconhecimento com relação ao grupo fizeram Tatiana produzir um filme para descobrir e entender o porque de tanta maquiagem e salto alto.

Apesar do fim trágico, fica a dica de que ousadia e criatividade são necessários, pelo menos para aqueles que querem ser mais do que reles mortais. Nem homem, nem mulher, gente. E se possível, com purpurina.

A crise” aguda de Brian Wilson para conceber o disco “Smile”, dos Beach Boys – que saiu 37 anos depois do planejado.  O alvoroço causado por um roqueiro rebolandon na TV, abalando as estruturas da família norte-americana – especialmente aquelas com filhas reprimidas. Uma troca de olhares entre dois garotos, Jagger e Richards, em uma estação de trem, em Dartford, Londres, daria início a uma as maiores bandas de rock de todos os tempos. Histórias de venda da alma ao diabo para alcançar o sucesso, a invenção de grandes guitarras como a Les Paul, Fender…

A isso, some proibições, duelos, protestos, humor e ironias. Tudo isso é o recheio do “Pequeno Livro da História do Rock”, uma história em quadrinhos sobre o gênero mais popular da música, morto e enterrado para alguns, mais vivo do que nunca para outros. Em um formato que remete aos discos de 45 RPM, o livro nos leva a um tour pelo gênero.

O livro é obra do francês Hervé Bourhis, um fanático pelo estilo – ele diz entender de duas coisas a vida, rock e hqs – que, no livro, redesenha meticulosamente capas de discos, personagens históricos e traz listas e mais listas dos melhores discos e músicas.

“Eu jamais tive uma overdose, não vi os Sex Pistols no Chalet du Lac, não estive no Bronx os primórdiosn do hip hop, não vi os Beatles ao vivo no Ed Sullivan Show, não fui aos shows do Elvis em 55, não compratilhei groupies com o Led Zeppelnin,(…) não tenho vontade de ser completo, objetivo ou de boa-fé”, diz Bourhis na dedicatória do livro.

Talvez o grande diferencial do francês seja o espaço dado à música francesa. Outro autor dificilmente colocaria tanto da música francesa no livro, a não ser um nativo. Lá estão fatos bem legais de nomes como Serge Gainsbourg, Brigitte Fontaine, Mano Negra (banda de Manu Chao), Françoise Hardy, até o Daft Punk.

O livro, muito bem-humorado, traz ainda umas aulas de dança para quem quiser aprender os passos básicos do rock’n'roll e dançar o “shake-ass”, além de relembrar como a música foi “consumida” ao longo dos anos. Na que vos escreve, bateu uma nostalgia ao ver um quadrinho com o primeiro gavador de fita cassete, em 1964, e o primeiro walkman da Sony, em 1981, sem deixar de lembrar das antigonas jukeboxes, hoje, individualizadas em nossos iPods e MP3.

O Brasil também tem espaço no livro, com referências a João Gilberto, Jorge Ben e CSS. E você pode perguntar: mas o que Jobim e CSS tem de rock? O livro de Bourhis é na verdade uma história da música, ou melhor, parte dela.

Costurando fatos desde de as origens do rock, lá por 1915, passando pelos anos 30, 40, 50 até junho de 2009, o livro relaciona o rock com outros estilos como o blues, hip hop, reggae, eletrônico, disco, entre outros.

Para os mais jovens, que nunca ouvira falar de histórias – desde as divertidas, como o dia em que Jerry Lee Lewis colocou fogo no piano indignado por abrir o show de Little Richard – às mais macabras – como a de Robert Johnson, que, reza a lenda, vendeu a alma ao diabo pra ser o mior bluesman de sua geração – morreu aos 27, assim com Janis, Jim e Jimmy -, fatos e figuras mais recentes do rock também estão lá, de Cobain a Pete Dorety, de Björk a White Stripes.

O Pequeno Livro do Rock, é claro, um livro para fãs do gênero, mas também uma boa pedida para aqueles que, além de música, gostam de histórias pra lá de divertidas. E você em sabe, diversão, é elemento que não falta no rock’n'roll.

Depois de alguns minutos rodando em Perus, encontramos ao lado da estação de trem o tal beco. A música e a galera reunida apontavam a entrada da festa, a “JamBaque, o corpo em todas as suas vibrações”, uma jam de contato e improvisação que mesclou diversas formas de expressão: música, percussão, dança, rimas, video-interação e performances.

A noite reuniu nomes como Flai Tanda e Phanton, o grupo Umojá, os DJs MF e Pow e Klaujah e Fritz, filha e pai, e o rapper Rincon Sapiência.

Fritz é fundador do Trio Mocotó que mostrou um pouco do seu novo trabalho, ainda não lançado, uma mistura fina e boa de África com Brasil. Surreal foi trocar ideia durante mais ou menos 30 ou 40 minutos com Fritz no camarim improvisado na Quilombaque. O papo foi de músic a política, às memórias da época do Trio Mocotó, voltou para a música brasileira até chegar em educação.

O Umojá, grupo de dança afro-brasileira que eu ainda não conhecia deixou a noite mais colorida e ritmada com a roda colorida pelos vestidos ao som de côco e samba.

Noite de vibe mais que positiva. Voltar pra casa com o sol nascendo e a sensação de ter vivido um pouco mais.

A Comunidade Cultural Quilombaque é uma organização sem fins lucrativos que surgiu em 2005, a partir da iniciativa de um grupo de jovens moradores de Perus, bairro no extremo oeste de São Paulo, que promove cursos e oficinas culturais abertas à comunidade. Para saber mais, segue o blog: comunidadequilombaque.blogspot.com.